Тихару Шиота «Нити рвутся, путаются или связываются — точно так же, как люди разрывают связи, сплетаются или запутываются».
В современном искусстве верёвка перестаёт быть утилитарным предметом и становится самостоятельным носителем формы, структуры и смысла. Художники используют её для связывания пространства, превращая линию в архитектуру, а материю в метафору.
Созерцательные структуры
Если в интерактивных инсталляциях верёвка вовлекает зрителя в движение и игру, то в созерцательных структурах она направлена внутрь — к тишине, памяти и ощущению присутствия. Здесь материал теряет утилитарность и превращается в носитель состояния: напряжённая линия становится границей между пространством и ощущением, между временем и его остановкой.
Джанайна Мелло Ландини. «Циклотрама 50 (Ветер) (Ciclotrama 50 (Wind))». (2017). Нейлоновая верёвка, золотые гвозди, мрамор. Инсталляция, site-specific. Fondation Carmignac, Поркероль, Франция
Джанайна Мелло Ландини — бразильская художница и скульптор, известная своими пространственными инсталляциями из верёвок и нитей. В 2010 году она создала собственный термин «Циклотрама» (Ciclotrama) для серии работ. В этих инсталляциях нити, натянутые в пространстве, формируют структуры, напоминающие корни деревьев, кровеносные сосуды и нервные сети. Художница сознательно опирается на архитектурные и математические принципы, используя верёвку как средство визуализации линий силы, связи и напряжения.
Джанайна Мелло Ландини. «Циклотрама 36 (Лабиринт) (Ciclotrama 36 (Labyrinthe))». (2016). Верёвка, гвозди. Palais de Tokyo, Париж
Джанайна Мелло Ландини. «Циклотрама 115 (Письмо) (Ciclotrama 115 (Writing))». (2018). Нейлоновая верёвка, парусина. Le 104 / BIC Collection, Париж
Джанайна Мелло Ландини. «Циклотрама (Ciclotrama) 192, 209, 113». (2018–2021). Верёвка. Частная коллекция
Джанайна Мелло Ландини. «Циклотрама 193 (Фибоначчи) (Ciclotrama 193 (Fibonacci))». (2020). Вощёные нити, акриловая ручка, холст. Частная коллекция
Нидерландская художница Джоана Шнайдер работает с переработанными промышленными и морскими материалами — в первую очередь с канатами, рыболовными сетями и текстильными волокнами. Её инсталляции объединяют ремесленные техники узлового плетения с крупным пространственным масштабом, превращая утилитарные материалы в скульптурные структуры, напоминающие природные формы — кораллы, водоросли, подводные растения.
Джоана Шнайдер. «Вечно молодая (Forever Young)». (2023). Переработанные рыболовные канаты и ПЭТ‑пряжа. Настенное панно. Groninger Museum, Гронинген, Нидерланды
Джоана Шнайдер. «Бутоны цветов (Flower Buds)» и «Сахарная бабочка (Sugarfly)». (2023–2024). Переработанные канаты и ПЭТ-пряжа. Rademakers Gallery, Амстердам
Джоана Шнайдер. «Алый и синий — Ирисовая волна (Crimson and Blue Iris Wave)». (2022). Отброшенные рыболовные канаты, переработанная ПЭТ-пряжа, вручную окрашенная пряжа. Частная коллекция
Джоана Шнайдер. «Восходящий страж (Rising Guard)», «Сияй, ты сумасшедший бриллиант (Shine On You Crazy Diamond)» и «Код Нео (Code Neo)». (2024). Рыболовные канаты, текстиль. Европейские выставки
Японская художница Тихару Шиота создаёт пространственные инсталляции из нитей, превращая галерейное пространство в зримую метафору памяти и человеческих связей. Получив образование в Киото и Берлине, а также пройдя обучение у Марины Абрамович, Шиота выработала собственный пластический язык, основанный на переплетении линий, света и пустоты. Её конструкции из сотен километров нитей существуют как форма созерцания — зритель оказывается внутри структуры, где материальное превращается в переживание.
Тихару Сиота. «Жизнь неизвестна (Life Unknown)». (2023). Металл, канат. Инсталляция. Персональная выставка «Memory under the Skin», Galerie Templon, Париж, Франция
Тихару Сиота. «Внутри и снаружи (The Inside and Outside)». (2025). Окна, шерсть, письма. Инсталляция. Персональная выставка «My House is Your House», Azkuna Zentroa, Бильбао, Испания
Тихару Шиота никогда не использует готовые ассистентские схемы при создании своих нитяных пространств. Каждая инсталляция строится вручную, нить за нитью, и занимает от нескольких недель до месяцев непрерывной работы. Она часто описывает этот процесс как физическую медитацию, в которой «тело становится продолжением линии». После монтажа Шиота нередко уничтожает всю конструкцию — она считает, что произведение существует только в моменте присутствия зрителя, а его разрушение символизирует завершённость памяти.
Тихару Сиота. «Куда мы идём? (Where Are We Going?)». (2024). Металлическая рама, канат, хлопковая нить. Инсталляция. Персональная выставка «The Soul Trembles», Le Grand Palais, Париж, Франция
Тихару Сиота. «В свете (In the Light)». (2025). Шерсть, люстра. Инсталляция. Персональная выставка «In the Light», Musée d’art et d’histoire, Фрибур, Швейцария
«На выставке Ключ в руке» (the key in the hand) (Японский павильон, Венецианская биеннале, 2015) Тихару Шиота собрала пятьдесят тысяч настоящих ключей, которые прислали ей люди со всего мира. Каждый ключ был личным — от домов, ящиков, замков, иногда с записками о том, что он открывал. Художница подвесила их на красных нитях над двумя деревянными лодками, символизирующими память и человеческое «переносное тело».
Тихару Сиота. «Ключ в руке (The Key in the Hand)». (2015). Старый ключ, венецианская лодка, красная шерсть. Инсталляция. Персональная выставка «Japan Pavilion, 56th Venice Biennale», Венеция, Италия
Тихару Сиота. «Семь платьев (Seven Dresses)». (2015). Белое платье, чёрная шерсть. Инсталляция. Персональная выставка «Seven Dresses», Stadtgalerie Saarbrücken, Саарбрюккен, Германия
В выставке «Над континентами» (Over the Continents) (Мель, Франция, 2011) было собрано около 370 пар старых обуви, каждая из которых была снабжена запиской‑историей от прежнего владельца. Эти обуви были соединены почти 6,4 км красной шерстяной нити, которая тянулась от каждой пары к одной точке на задней стене павильона.
Тихару Сиота. «Над континентами (Over the Continents)». (2011). Старая обувь, красная шерсть. Инсталляция. Мель, Франция
Тихару Сиота. «Следы жизни (Traces of Life)». (2008). Снаружи: старая обувь, красная шерсть; внутри: стол, швейная машина, стул, платье, чёрная шерсть. Инсталляция. Берлин, Германия
Тихару Сиота. «Следы жизни (Traces of Life)». (2008). Снаружи: старая обувь, красная шерсть; внутри: стол, швейная машина, стул, платье, чёрная шерсть. Инсталляция. Берлин, Германия
Пространство вовлечённости
В интерактивных инсталляциях верёвка не только формирует пространство и визуальные образы, но и вовлекает зрителя в процесс создания смысла. Переплетения, узлы и натяжения становятся не только художественными элементами, но и точками контакта с человеком, который сам становится частью произведения. В таких работах границы между объектом и участником стираются: верёвка соединяет, удерживает и трансформирует не только форму, но и сам опыт восприятия.
PLAYstudio. «Шоу верёвок (The Rope Show)». (2014). Инсталляция. Канаты, дерево, нейлон. Centro de Arte Contemporáneo Matadero, Мадрид, Испания
Томас Сарасено. «В орбите (In Orbit)». (2013). Почти прозрачная стальная сетка (тросы), надувные ПВХ-сферы. Инсталляция. Дюссельдорф, Германия
Эрнесто Нето регулярно включал в инсталляции ароматические мешочки со специями и растительными компонентами (например, кориандр, кардамон, лаванду), которые подвешивались внутри тканевых «мешков» или помещались в наполнители. Цель — усилить мультисенсорный эффект и пробудить телесную память зрителя.
Эрнесто Нето. «Змеиный сад (Le La Serpent)». (2024–2025). Крючковое вязание из хлопкового вуаля, бамбук, глина. Временная инсталляция. Le Bon Marché Rive Gauche, Париж, Франция
Эрнесто Нето. «Сила солнца, океана, жизни (SunForceOceanLife)». (2020). Вязаный текстиль и пластиковые шары. Временная инсталляция. Le Bon Marché Rive Gauche, Париж, Франция
Эрнесто Нето. «Наш корабль, барабан, земля (Nosso Barco Tambor Terra [Our Boat Drum Earth])». (2024). Инсталляция. Museum of Art and Technology, Лиссабон, Португалия
Эрнесто Нето. «Сад удава / Сад змеи (Jardim da Jiboia / Boa Garden)». (2016). Хлопковая вата, хлопковая вязка, крючковое вязание, гравий. Хельсинки, Финляндия
Эрнесто Нето. «Антроподино (Anthropodino)». (2009). Тюль, фанера, специи, песок, галька, речные камни, текстиль, пластиковые и стеклянные элементы. Инсталляция. Мадрид, Испания
«Numen / For Use» — коллектив дизайнеров и художников (основан в 1998), изначально занимавшийся промышленным и графическим дизайном. С середины 2000-х они создают театральные инсталляции из лент, сетей и тканей, где зритель становится частью динамического пространства.
«Numen / For Use». «Отель Амарин (Hotel Amarin)». (2016). Инсталляция. Ровинь, Хорватия
«Numen / For Use». «OK Центр современного искусства (OK Center for Contemporary Art)». (2014). Инсталляция. OK Center for Contemporary Art, Линц, Австрия
«Numen / For Use». «Сенсорный восторг (Sinnesrausch)». (2019). Инсталляция. OK Center for Contemporary Art, Линц, Австрия
«Numen / For Use». «Белая ночь (Biela noc)». (2019). Инсталляция. Bratislava, Словакия
В «Рефорестирующее тело» (ReforestingBody) (2021) Нето развивает идею «взаимного исцеления» тела и природы. Здесь плетёные формы соединяются с семенами, растительными волокнами и ароматическими элементами. Посетители могут укутываться или прятаться в структуре, ощущая запах земли, дерева и масел. Работа создаёт ощущение симбиоза между человеком и природным материалом — телесность зрителя становится продолжением ткани, а инсталляция — живым организмом, реагирующим на присутствие.
Эрнесто Нето. «Рефорестирующее тело (ReforestingBody)». (2021). Нить, куркума, деревянное кольцо, лавровые листья. Инсталляция. Частная коллекция
В поздних проектах Эрнесто Нето исследует возможность слияния человеческого тела с материалом инсталляции. В работе «Йобапа, Тело исцеляется (Уход За Телом)» (Yobapa the bodyHeals a CorpoCura) (2019) художник создаёт мягкую структуру из вязанных волокон, напоминающую как внутренние органы, так и корни растений. Зритель может не только войти внутрь, но и надеть элементы конструкции на себя, ощущая ткань как продолжение собственной кожи. Инсталляция становится посредником между телом и пространством, местом, где дыхание, вес и тепло человека дополняют форму работы.
Эрнесто Нето. «Йобапа: тело исцеляет / A Corpo Cura (Yobapa the bodyHeals a CorpoCura)». (2019). Крючковое вязание, лаванда, хлопковый тюль, дерево. Инсталляция. Частная коллекция
Голландская художница Сандра де Гроот работает с макраме, создавая скульптуры и крупномасштабные инсталляции, состоящие из сотен и тысяч узлов. В серии «Узлы» (kNOT) она формирует не отдельные объекты, а цельные пространственные структуры — «жилые формы», с которыми зритель может взаимодействовать телесно, иногда — надевать их как вторую кожу. Натуральный хлопок и канат служат не просто материалом, а способом исследовать связь между телом, временем и материей.
Сандра де Гроот. «Узел (kNOT)». (2017). Хлопковые канаты, текстиль. Инсталляция. Atelier Chaos / Galerie Rossana Orlandi, Милан, Италия
В этих инсталляциях форма не окружает тело, а буквально срастается с ним, превращая участника в часть узловой системы. Художница стремится вызвать у зрителя ощущение физического присутствия и вовлечённости — тактильный опыт, где граница между человеком и объектом растворяется, а макраме становится метафорой симбиоза формы и тела.
Сандра де Гроот. «Узел (kNOT)». (2017). Хлопковые канаты, текстиль. Инсталляция. Atelier Chaos / Galerie Rossana Orlandi, Милан, Италия