Содержание
- Концепция
- Исторический контекст
- Художественные стратегии поп-арта
- Как меняется значение образа при переходе из рекламы в музей
- Заключение
- Библиография
1. Концепция
Визуальное исследование основано на рассмотрении того, как художники-представители поп-арта переосмысливали визуальный язык массовой культуры и создавали объекты искусства из привычных коммерческих образов. В работе рассматривается трансформация статуса и смысла единиц массовой культуры: от образов потребительской рекламы, до музейных инсталляций, обладающих новой культурной, философской и социальной ценностью. Основной темой работы становится процесс того, как изображения, объекты и даже люди, связанные с потреблением и коммерческими целями, стали символами в пространстве искусства, приобретя новое значение. Сам феномен поп-арта также важен к рассмотрению, так как является одной из главных тем художественных практик ХХ века.
Современный визуальный язык во многом строится на бесконечном потоке массовых изображений чего-либо: реклама, телевидение, товары в магазинах и их упаковка, журналы, фильмы, музыка и даже фотографии различных селебрити формируют наш визуальный мир. Вышеперечисленный «контент» так или иначе был создан как инструмент потребления, чья основная задача — привлечь внимание и остаться в инфополе аудитории. Существование этих «изображений» рассчитано на быстрое потребление, то есть восприятие, тиражируются они в огромных количествах и, как правило, не являются уникальными и осмысленными предметами художественного мира. Но вторая половина ХХ века все изменила: визуальный язык потребления вдруг стал центром искусства, и приобрел совсем иной смысл.
Парадокс, исследуемый в работе, заключается в стирании поп-артом границы между «высоким» искусством и повседневным визуальным миром человека.
Представители движения использовали то, что традиционно не воспринималось как полноценная часть художественной культуры: логотипы компаний, упаковки продуктов, новостные газеты, комиксы, знаменитые лица и т. д. Сделав это, они расширили границы существования искусства, выйдя за пределы пространств и объектов, внедрив его в повседневность, знакомую каждому.
Особое значение в работе имеет тема тиражирования и повторяемости образов. Художники движения намеренно использовали печатную эстетику, машинное воспроизведение и серийность, дабы подчеркнуть связь между искусством, индустрией массовой культуры и СМИ. Повторяемость образов превращала привычные изображения в иконы того времени, одновременно демонстрируя их узнаваемость и обезличенность. В идее о безликой узнаваемости кроется главная особенность поп-арта — способность одновременно восхищаться визуальным языком массовой культуры и критически переосмыслять его.
Это исследование — попытка проследить, как именно и какими инструментами поп-арт и его последователи ломали границы искусства, переосмысливая саму суть и атрибуты «высокого». Вторая половина ХХ века крайне яркий момент в истории искусства: работы того времени доказали, что массовую культуру невозможно отделить от художественного мира, нужно лишь взглянуть на неё по-другому. Поп-арт не просто сделал коммерческий образ частью пространства — он показал, как сильно визуальный язык потребления влияет на человека, мир вокруг него, и само искусство.
2. Исторический контекст
Вторая мировая война принесла сильные изменения в западное общество, что стало одной из причин зарождения поп-арта. В середине ХХ века масштабы потребления, массового производства и рекламы резко возросли в США и странах Западной Европы, что привело к формированию нового визуального языка, строящегося на яркости, повторяемости и узнаваемости. Повседневность быстро наполнилась коммерцией, избежать которую было трудно: кричащие упаковки, логотипы компаний-гигантов, громкие слоганы и новая любовь к медийным личностям. Именно в этот момент в истории визуальная культура стала частью массового потребления и повседневного существования человека.
Движение возникло в конце 1950-х годов, как реакция на абстрактный экспрессионизм и элитарность модернизма. На фоне таких изменений само искусство начало переосмыслять свои границы и функции. Модернизм, а именно абстрактный экспрессионизм, стремился усложнить художественный язык, подчеркивая индивидуальность автора, а поп-арт наоборот — обращался к самому узнаваемому и массовому, делая его естественным для мира искусства. Отказавшись от границ «высокого», поп-арт стал вариантом критики абстрактного экспрессионизма, делая центром внимания повседневность человека.
Richard Hamilton, «Just what is it that makes today’s homes so different, so appealing?», 1956.
3. Художественные стратегии поп-арта
Энди Уорхол. Суп
Яркий пример трансформации массового образа и движения поп-арта — это произведение Энди Уорхла «Campbell’s Soup Cans», написанное в 1962 году. Серия состоит из 32 полотен, на каждом из которых изображена банка супа Campbell’s, что в середине ХХ века было одним из самых узнаваемых продуктов американской культуры потребления.
На первый взгляд кажется, что работа практически лишена какой-либо художественной обработки, более того, автор намеренно сохраняет узнаваемость, внося минимальные изменения в дизайн упаковки. В отказе от уникальности художественного произведения и кроется одна из главных идей работы.
Уорхол обращается к предмету, который ежедневно присутствовал в жизни миллионов людей, стирая границу между высоким художественным произведением и обыденностью. Создание серии в принципе связано с культурной средой послевоенной Америки, в которой массовое производство и её результаты стали неотъемлемой частью «спокойной» жизни. В этот период в истории страны участники движения впервые начали воспринимать коммерческие образы как полноценную визуальную среду человека, а не как нечто идущее врознь с искусством. Привычная всем банка супа перестает существовать как продукт потребления, и превращается в символ массовой культуры, узнаваемости и нового визуального мира.
Принцип серийности играет немаловажную роль в значении работы. Повторенная десятки раз банка супа имитирует механизмы промышленного производства и тиражирования товаров потребления. Такой подход становится не просто инструментом, а целым высказыванием о культуре потребления, убивающей уникальность вещей, и продвигающей бесконечное воспроизведение элементов массового рынка. Сам Уорхол говорил: «Я ел суп Campbell’s на протяжении 20 лет», подтверждая интерес не только к визуальной составляющей продукта, но и к его месту в повседневной жизни общества, на собственном примере.
Работа также повлияла не представления о том, что вообще есть искусство и его проявления. До появления поп-арта художественная культура и её участники старались сохранять дистанцию между «высоким и настоящим» и коммерческим искусствами. Уорхол же меняет статус и восприятие объектов потребления, перенося их в пространство галереи. В стенах музея всем знакомый продукт начинает играть совсем другими красками, воспринимаясь уже не как товар, а как художественный образ с идеей и смыслом, о которых зритель начинает задумываться.
Банки супа Уорхола — очень точный пример трансформации массового образа из товара в объект искусства и культуры. Произведение демонстрирует не просто путь «с полки в музей», а то, как поп-арт переосмысливал визуальный язык и показывал, насколько искусство второй половины ХХ века зависело от Американской культуры потребления. Энди Уорхол не просто использует коммерческий образ как художественный материал — он показывает, как именно в эпоху массовой культуры подобные предметы и их изображения формировали визуальное восприятие жизни.
Энди Уорхол. Диптих Мэрилин
Продолжением размышлений Энди Уорхола о массовой культуре и потреблении станет работа «Marilyn Diptych», написанная в том же 1962 году.
Andy Warhol, «Marilyn Diptych», 1962.
В отличии от работы с банками супа, где центром идеи стал продукт и его восприятие, в этой работе художник обратился к образу знаменитой личности — Мэрилин Монро, превратив её медийность во все тот же предмет тиражируемости и массовой культуры.
Для более точно восприятия работы стоит понимать размеры медийности Монро: полотна были созданы вскоре после её смерти, что придает еще более глубокий смысл работе, так как актриса была кумиром и секс-символом миллионов, оставив невероятный след в истории не только кино, но и искусства. Левая часть полотна полная ярких, насыщенных оттенков, в то время как правая как бы угасает, теряя четкость, становясь траурно-черной и почти исчезающей. Такой прием можно рассматривать как попытку размышлений о природе славы и узнаваемости, то есть массовости образа: знаменитый человек с одной стороны существует как культовый символ обожания, а с другой — как человек, чья личность и индивидуальность растворяется и угасает в беспрерывном потоке воспроизведения собственного изображения.
Здесь серийность и механическое повторение тоже играют важную роль. Художник использует технику шелкографии для почти промышленного воспроизведения для демонстрации связи искусства и с массовым производством медиаобразов и личностей. Повторение лица Монро превращает её из реального человека в визуальный продукт эпохи потребления и индустрии развлечений, где вскоре после её смерти «наштампуют» новый продукт.
«Диптих Мэрилин» становится примером того, как поп-арт перенес в пространство искусства не только коммерческие объекты, но и саму культуру медийности и потребления в целом. Работа показывает, что в эпоху массовой культуры даже человек становится продуктом потребления, существование которого мало чем отличается от принципов существования рекламы и товарных брендов.
Рой Лихтенштейн. БАЦ!
Ярким представителем движения поп-арта становится картина Роя Лихтенштейна «Whaam!», что переводится как «Бац!».
Roy Lichtenstein, «Whaam!», 1963.
Работа представляет собой крупноформатное изображение сцены воздушного боя, выполненное в стиле американских комиксов. Полотно разделено на две части: на лево изображен военный самолёт, выпускающий ракету, а на правой — взрыв вражеского судна с крупной надписью «WHAAM!». Основа и вдохновение произведения — кадр военного комикса, который художник увеличил до масштабов музейной выставки, немного его переработав.
Рой Лихтенштейн, как и многие представители поп-арта, обращался к визуальному языку массовой культуры, а особенное к комиксам, предназначенных для быстрого потребления и развлечения: художник менял статус подобных изображений, перенося их в галереи, и заставлял зрителя воспринимать развлекательную графику как нечто большее, чем просто коммерческий продукт.
Лихтенштейн использовал особый прием, сохраняя в работе стилизацию под печатную продукцию и дешевую полиграфию: толстый контур, яркие цвета, текстовые вставки и, конечно же, точки Бен-Дея, имитирующие печать. Такой метод работы подчеркивал образ массового изображения и его связи с медиа-индустрией. Важно то, что художник вручную вот производил эффект машинного производства изображений, трансформируя визуальный язык коммерции в предмет художественного анализа.
Сюжет работы — высказывание Лихтенштейна о том, как массовая культура способна умалять трагические события, такие как война, превращая их в легко потребляемые изображения: несмотря на динамику и визуальную эффектность сцены, момент войны здесь выглядит почти обезличенными и напоминает зрелищный плакат развлекательной продукции. «Whaam!» демонстрирует разрушение границ между массовым визуальным развлечением и музейным искусством. Рой Лихтенштейн не создает новый образ — он меняет существующий коммерческий материал, переосмысляет его и дарит ему иной способ восприятия.
Рой Лихтенштейн. Тонущая
Еще одна выдающаяся работа Лихтенштейна — «Тонущая девушка».
Roy Lichtenstein, «Drowning Girl», 1963.
На этот раз художник обращается к сцене из романтического комикса, в центре которой тонущая в волнах девушка и её фраза о том, что она «лучше утонет, чем позовёт Брэда на помощь». Лихтенштейн берет изначально созданное для дешевого развлекательного контента изображение, и перерабатывает его в очередное высказывание, повести в картину в музейное пространство.
Работа продолжает ключевую идея движения — идею переосмысления и изменений массовых продуктов. Особое значение придает и сам сюжет сцены: с одной стороны — он драматичен и эмоционален, а с другой — кажется пластиковым и чересчур театральным. Выбрав такой коммерческий сюжет Лихтенштейн демонстрирует, как коммерческий продукт упрощает человеческие чувства, превращая их в развлекательные клише. Переживания героини становятся частью тиражируемого мира, существующего по принципам рекламы и популярных медиа.
Клас Олденбург. Бургер и торт
Особое место в поп-арте занимают работы Класа Олденбурга — «Floor Burger» и «Floor Cake», созданные в 1962 году.
Claes Oldenburg, «Floor Burger», 1962. (слева)
Claes Oldenburg, «Floor Cake», 1962. (справа)
Обычно художники поп-арт обращались преимущественно к изображениям рекламы, упаковки или печатной продукции, но Олденбург строил свои работы вокруг повседневных продуктов потребления, перенося их в пространство искусства в виде масштабных скульптурных объектов. Огромных размеров Бургер и кусок торта, выполнены из мягких материалов, стали одновременно узнаваемыми предметами быта и абсурдными художественными формами.
Художник разрушает привычное восприятие повседневных объектов, превращая их в часть художественного опыта: скульптуры выглядят знакомыми, но кажутся странными, так как предметы, предназначенные для еды, вдруг становятся слишком большими, мягкими и нефункциональными. Сделав знакомые образы деформированными и сюрреалистичными Олденбург дарит им новое значение, показывая, насколько сильно визуальный мир современного человека связан с товарами, упаковкой и индустрии потребления.
В работах Класа Олденбурга особенно важен элемент иронии, который ничуть не мешает идее стирания границ между «высоким» и массовым: раньше традиционная скульптура ассоциировалась с героическими личностями и историческими сюжетами, но заменив их на символы потребительской культуры второй половины ХХ века художник высмеивает серьезность классического искусства и демонстрирует, как основательно и быстро обыденные товары стали частью визуальной идентичности современного общества.
«Floor Burger» и «Floor Cake» становятся ярким примером трансформации коммерции в искусство. Работы демонстрируют, как поп-арт непросто использовал визуальные элементы массовой культуры, а переосмысливал саму природу повседневности, превращая ее в символ художественного опыта человека.
4. Как меняется значение образа при переходе из рекламы в музей
Способность менять значение массового изображения при его переносе из коммерции в пространства искусства — главная особенность поп-арта. Попадая в художественный контекст образы массовой культуры перестают восприниматься исключительно как элементы потребления и приобретают новое культурное, эстетическое и философское значение для человека.
Немаловажную роль в этом процессе играет само музейное пространство: коммерческие изображения, изначально созданные для конкретной цели, становятся объектами анализа и свободной интерпретации зрителя. Визуальный шум повседневности становится предметом эстетического и культурного опыта, благодаря идеям поп-арта.
Изменение самого способа восприятия объекта меняет его значение, что связано не только с новым пространством его существования. В художественном пространстве объект становится предметом размышления, тогда как в рекламе изображение должно считываться быстро и однозначно. Представители движения наглядно показывают, как сильно повседневная визуальная среда влияет на сознание человека, его вкусы и представления о мире, не меньше, чем традиционное искусство.
Важно понимать, что поп-арт не дает однозначной оценки культуре потребления: художники движения часто восхищаются предметами массовой индустрии, замечая её яркость и выразительность, но в тоже время критикуют её поверхностность и бездушную повторяемость, направленные на зарабатывание денег. Перенос коммерции в музей — способ анализа современной визуальной среды и её влияния, а не просто художественный прием эпохи.
Смена функции и восприятия — главный смысл переноса массового образа в пространство искусства. Поп-арт становится подтверждением того, что в условиях второй половины ХХ века разделить искусство и массовую культуру невозможно, так как предмет потребления способен стать художественным осмыслением, если человек этого захочет.
5. Заключение
Радикально изменив представление о границах искусства и источниках художественных образов поп-арт стал одним из ключевых художественных направлений ХХ века. Представители движения показали, что визуальны язык повседневности способен существовать не только в коммерческой среде, но и в пространстве музея, обращаясь к рекламе, массовой печати, товарам употребления и медийным изображениям. Превратив привычные и тиражируемые образы в объекты эстетического и философского осмысления поп арт сделал массовую культуру полноценной частью художественного процесса.
Главный вывод исследования кроется в понимании того, что поп-арт не просто стирал границу между «высоким» искусством и массовой культурой, а демонстрировал невозможность их полного разделения в современном мире человека. Привычные коммерческие изображения смогли стать частью музейного пространства и приобрести новую художественную ценность потому, что художники движения доказали, что коммерция формируют визуальное мышление человека не меньше, чем традиционная художественная культура.
Идеи поп арта все ещё актуальны, поскольку визуальная среда ⅩⅩⅠ века ещё сильнее зависит от массовых изображений, рекламы и цифровых медиа. Размышляя об поп-арте, можно прийти к выводу, что представители движения непросто отражали собственную эпоху через искусство, но и предсказали будущее общества, в котором граница между искусством, информацией, развлечением и потреблением становится все более размытой.
Саймон Морли. «Семь ключей к современному искусству». — Москва: Ad Marginem Press, 2015. — 224 с.